tobias
foto, sammlung essl.jpg, 2011
Dienstag, 28. Juni 2011
Montag, 27. Juni 2011
Sonntag, 26. Juni 2011
Freitag, 24. Juni 2011
Donnerstag, 23. Juni 2011
Mittwoch, 22. Juni 2011
Dienstag, 21. Juni 2011
Sonntag, 19. Juni 2011
Samstag, 18. Juni 2011
the books of rachel whiteread
Rachel Whiteread studierte von 1982 bis 1985 Malerei am Brighton Polytechnic mit dem Abschluss Painting BA. Von 1985 bis 1987 absolvierte sie ein Studium der Bildhauerei an der Slade School of Fine Art und erwarb den akademischen Grad Sculpture MA. Ebenso studierte sie an der Akademie der Künste Zypern.
Whiteread erstellt Objekte, Skulpturen, Installationen, Mixedmedia sowie Zeichnungen. Deswegen lässt sie sich nicht eindeutig als Bildhauerin einordnen. Einen hohen Bekanntheitsgrad hat Whiteread durch ihre plastischen Arbeiten erreichen können:
Die Künstlerin nimmt Abdrücke mit Gips, Gummi, Kunststoffen und anderen Materialien von Alltagsgegenständen und architektonischen Details bis hin zum Abdruck ganzer Räume, sogar eines Hauses (House 1993, zerstört 1994). Diese weißen Objekte bilden einerseits den Gegenstand (die Wirklichkeit) ab, dokumentieren Gebrauchsspuren, spiegeln ihren Gegenstand jedoch andererseits und haben aufgrund des weißen Materials eine hohe Abstraktionswirkung. Viele von ihr genommenen Abdrücke dokumentieren insofern deutlicher den Leerraum (die Leere) um Gegenstände; das gilt z. B. für Abdrücke von Bücherregalen oder den von der Unterseite eines Waschbeckens. Für Rachel Whiteread wurden international Ausstellungen ausgerichtet. 1998 schuf sie den Water Tower für den öffentlichen Raum in New York.
Für Wien gestaltete sie im Jahre 2000 das Holocaust-Mahnmal auf dem Judenplatz. Es stellte im Stile von Whitereads Leerräumen eine Bibliothek dar, deren Bücher nach außen zeigen. Das Mahnmal kann als Würdigung des Judentums als eine Religion des Buches verstanden werden, es spricht aber auch die durch den Völkermord an den europäischen Juden entstandene kulturelle Leerstelle an (Erinnerung und Verlust).
Eine Weiterentwicklung ihrer künstlerischen Arbeit lässt sich an Whitereads Ausstellung in der Tate Modern, London, im Jahre 2005/2006 ablesen. Rachel Whiteread goss 14.000 Pappkartons mit Polyethylen aus. Diese Abgüsse sind in der großen Eingangshalle des Museums wie eine bizarre Landschaft ausgestellt. Das Motiv des Pappkarton-Abgusses beruht auf einem von Whitereads Mutter hinterlassenen Karton, in dem Weihnachtsschmuck aufbewahrt wurde. Die Abgüsse sollen nach der Ausstellung recycelt werden.
Whiteread erstellt Objekte, Skulpturen, Installationen, Mixedmedia sowie Zeichnungen. Deswegen lässt sie sich nicht eindeutig als Bildhauerin einordnen. Einen hohen Bekanntheitsgrad hat Whiteread durch ihre plastischen Arbeiten erreichen können:
Die Künstlerin nimmt Abdrücke mit Gips, Gummi, Kunststoffen und anderen Materialien von Alltagsgegenständen und architektonischen Details bis hin zum Abdruck ganzer Räume, sogar eines Hauses (House 1993, zerstört 1994). Diese weißen Objekte bilden einerseits den Gegenstand (die Wirklichkeit) ab, dokumentieren Gebrauchsspuren, spiegeln ihren Gegenstand jedoch andererseits und haben aufgrund des weißen Materials eine hohe Abstraktionswirkung. Viele von ihr genommenen Abdrücke dokumentieren insofern deutlicher den Leerraum (die Leere) um Gegenstände; das gilt z. B. für Abdrücke von Bücherregalen oder den von der Unterseite eines Waschbeckens. Für Rachel Whiteread wurden international Ausstellungen ausgerichtet. 1998 schuf sie den Water Tower für den öffentlichen Raum in New York.
Für Wien gestaltete sie im Jahre 2000 das Holocaust-Mahnmal auf dem Judenplatz. Es stellte im Stile von Whitereads Leerräumen eine Bibliothek dar, deren Bücher nach außen zeigen. Das Mahnmal kann als Würdigung des Judentums als eine Religion des Buches verstanden werden, es spricht aber auch die durch den Völkermord an den europäischen Juden entstandene kulturelle Leerstelle an (Erinnerung und Verlust).
Eine Weiterentwicklung ihrer künstlerischen Arbeit lässt sich an Whitereads Ausstellung in der Tate Modern, London, im Jahre 2005/2006 ablesen. Rachel Whiteread goss 14.000 Pappkartons mit Polyethylen aus. Diese Abgüsse sind in der großen Eingangshalle des Museums wie eine bizarre Landschaft ausgestellt. Das Motiv des Pappkarton-Abgusses beruht auf einem von Whitereads Mutter hinterlassenen Karton, in dem Weihnachtsschmuck aufbewahrt wurde. Die Abgüsse sollen nach der Ausstellung recycelt werden.
foto, 2011
Freitag, 17. Juni 2011
Dienstag, 14. Juni 2011
In Videoinstallationen wie «TV-Buddha» 1974 oder «Zen for TV» 1984 stellt er Abbild und Abgebildete oder Kultur und Technologie einander gegenüber. Daneben entstehen Multi-Monitor-Installationen, bei denen die Monitore in geometrischen Formen aufgebaut sind («TV-Trichter» 1984).
Ernst Caramelle
»o.T.«
In eine Wand sind zwei kleine Fernsehbildschirme eingelassen. Beide zeigen das gleiche Programm in Schwarzweiß, darunter einen Wulst aus Plastilin auf der Wand. Zusammen formen diese Teile ein Gesicht. Die Schnitte des TV-Programms lassen die zwei Augen scheinbar lebendig werden, sie erhalten einen bewegten Blick, die Physiognomie des Gesichts ändert sich je nach TV-Bild. »Etwas das man normalerweise anschaut, schaut einen nun an«, sagt Ernst Caramelle dazu.
»o.T.«
In eine Wand sind zwei kleine Fernsehbildschirme eingelassen. Beide zeigen das gleiche Programm in Schwarzweiß, darunter einen Wulst aus Plastilin auf der Wand. Zusammen formen diese Teile ein Gesicht. Die Schnitte des TV-Programms lassen die zwei Augen scheinbar lebendig werden, sie erhalten einen bewegten Blick, die Physiognomie des Gesichts ändert sich je nach TV-Bild. »Etwas das man normalerweise anschaut, schaut einen nun an«, sagt Ernst Caramelle dazu.
Rist’s Pour Your Body Out (7354 Cubic Meters) suspends us in a primordial sea of liquids, and performs a metaphysical sex change on the Museum of Modern Art. The atrium of this bastion of masculinism becomes a womb, and the museum itself a woman. In an abstract way, Rist makes the institution ovulate.
Rist’s installation is an impregnation and an incantation. It is also an exorcism. As I’ve said in these pages before, MoMA is—even with this show and the current Marlene Dumas survey—a place where very little work by women is on view, at least in the permanent collection. Rist’s installation comments on and reacts to this misogyny. She has hung magenta-colored draperies almost to the ceiling of the atrium, making it a ballroom, a Hopper movie theater, a bordello, or a living room. Her monolithic projected images caress and dissolve the hard-edged architecture. Drowsy droning music plays; bells ting-a-ling. The atrium has been carpeted, and a large circular couch with a hole in the middle has replaced Barnett Newman’s phallic Broken Obelisk. Shoes and coats are everywhere. People lie around, lean on walls, sleep, and sprawl in groups on the floor and couch. On one of my visits, the well-known painter Gary Stephan drifted by and said, “I wish I had some ganja.” This is museum as hallucination, opium den, Lotus Land, cubbyhole, and pleasure dome. Call it Trance Central station.
The images in Rist’s sixteen-minute video loop remix the colors of Fauvism, the fragmented form of Cubism, and modernism’s juicy jarring nudes. Rist’s quasi-narrative is pleasure, politics, and biology. In an interview she talks to curator Klaus Biesenbach about “our deepest craving to be synchronized with others” and “our love for fluids and water.” To some, Rist’s MoMA installation is little more than a hippy-dippy decorative circus. That’s a mistake, ignoring how clever and subversive Rist is. One subplot of her MoMA installation is to metaphysically induce a rush of psychic estrogen in the museum. By the film’s end the atrium is awash in a tidal sea of crimson and burgundy fluid.
At various points, a pig gnaws an apple, toes squish fruit, giant strawberries drift in clear liquid, a naked girl crawls in the grass. All hips, hair, and breasts, she caresses two earthworms as if removing the sin from Eve’s apple or stroking living phalluses. She fills another person’s mouth and nostrils with flower petals, eats tulips, digs into the dirt with her fingers. She is some sort of otherworldly Earth mother performing a modern-day fertility rite. MoMA seems to swell and stir to new life. A giant eye opens, a naked woman floats upside down, a trail of blood begins running up her breasts. Finally, a colossal female in a white bathing suit rises from the water. Between her legs is a flow of blood. The whole atrium goes red. MoMA comes of age.
What Richard Serra is to hard and dry, Rist is to soft and moist. Rather than only privileging the eye, as in Courbet’s yummy yoni shot The Origin of the World, Rist’s art is a full-body experience. Like Matthew Barney, who crawls like a symbiotic organism through space, or Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely's giant reclining nude that was entered between the legs, Rist wants to turn the museum into an ecstasy machine.
In the West, however, ecstasy comes with proscriptions. Especially if it’s too female—then it’s taboo. A widely circulated rumor has it that MoMA asked Rist to edit out the red between the legs. It turns out that so-called “belly-magic” is more off-limits than mind-magic. In classical terms, the Dionysian is still more fraught than the Apollonian. Thinking about this installation without the blood is like thinking about life without blood.
Rist’s installation is an impregnation and an incantation. It is also an exorcism. As I’ve said in these pages before, MoMA is—even with this show and the current Marlene Dumas survey—a place where very little work by women is on view, at least in the permanent collection. Rist’s installation comments on and reacts to this misogyny. She has hung magenta-colored draperies almost to the ceiling of the atrium, making it a ballroom, a Hopper movie theater, a bordello, or a living room. Her monolithic projected images caress and dissolve the hard-edged architecture. Drowsy droning music plays; bells ting-a-ling. The atrium has been carpeted, and a large circular couch with a hole in the middle has replaced Barnett Newman’s phallic Broken Obelisk. Shoes and coats are everywhere. People lie around, lean on walls, sleep, and sprawl in groups on the floor and couch. On one of my visits, the well-known painter Gary Stephan drifted by and said, “I wish I had some ganja.” This is museum as hallucination, opium den, Lotus Land, cubbyhole, and pleasure dome. Call it Trance Central station.
The images in Rist’s sixteen-minute video loop remix the colors of Fauvism, the fragmented form of Cubism, and modernism’s juicy jarring nudes. Rist’s quasi-narrative is pleasure, politics, and biology. In an interview she talks to curator Klaus Biesenbach about “our deepest craving to be synchronized with others” and “our love for fluids and water.” To some, Rist’s MoMA installation is little more than a hippy-dippy decorative circus. That’s a mistake, ignoring how clever and subversive Rist is. One subplot of her MoMA installation is to metaphysically induce a rush of psychic estrogen in the museum. By the film’s end the atrium is awash in a tidal sea of crimson and burgundy fluid.
At various points, a pig gnaws an apple, toes squish fruit, giant strawberries drift in clear liquid, a naked girl crawls in the grass. All hips, hair, and breasts, she caresses two earthworms as if removing the sin from Eve’s apple or stroking living phalluses. She fills another person’s mouth and nostrils with flower petals, eats tulips, digs into the dirt with her fingers. She is some sort of otherworldly Earth mother performing a modern-day fertility rite. MoMA seems to swell and stir to new life. A giant eye opens, a naked woman floats upside down, a trail of blood begins running up her breasts. Finally, a colossal female in a white bathing suit rises from the water. Between her legs is a flow of blood. The whole atrium goes red. MoMA comes of age.
What Richard Serra is to hard and dry, Rist is to soft and moist. Rather than only privileging the eye, as in Courbet’s yummy yoni shot The Origin of the World, Rist’s art is a full-body experience. Like Matthew Barney, who crawls like a symbiotic organism through space, or Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely's giant reclining nude that was entered between the legs, Rist wants to turn the museum into an ecstasy machine.
In the West, however, ecstasy comes with proscriptions. Especially if it’s too female—then it’s taboo. A widely circulated rumor has it that MoMA asked Rist to edit out the red between the legs. It turns out that so-called “belly-magic” is more off-limits than mind-magic. In classical terms, the Dionysian is still more fraught than the Apollonian. Thinking about this installation without the blood is like thinking about life without blood.
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